martes, 23 de febrero de 2021

La Fotografía

 

Alfred Stieglitz

Viajo a Alemania enviado por su padre para trabajar en estampados pero se dio cuenta de que no quería seguir los pasos empresariales de su padre, si no lo que el quería en verdad era trabajar con las fotografías.


Al pasar por un pueblo llamado Bellagio en Italia y se encuentra con un grupo de muchachas a las cuales sorprende con una fotografía haciendo sus deberes y con un momento inesperado tomar la foto. Después supo de un concurso fotográfico en el cual manda la foto y se la premian.  


(Una fotografía  sobre la vida cotidiana en donde captura las sonrisas de niños y jóvenes, una fotografía que no se siente forzada sin que nadie tuviese que posar para ella) 

De regreso a NY le dice a su padre que descubrió su vocación al decirle que es un artista fotográfico.
En nueva York sale a sus calles sin importar la hora y tiempo a captura la imagen de NY, el trataba de buscar un equilibrio entre la luz y la sombra y los objetos fotografiados determinaban los contraste en la fotografía.
 

Eduardo Steichen

Steichen se presenta con Alfred como un gran admirador, Alfred le pregunta al joven Steichen si es fotógrafo a lo que el responde que no que estudiara pintura y le dice q es un fotógrafo de closet, Alfred le pregunta que si tenia algunas de sus fotografías y el se las mostro y le llamo la atención una fotografía.


Alfred le dice que se la venda a lo que el responde que se la regala a lo que Alfred le dice que jamás regale su arte .




jueves, 18 de febrero de 2021

Futurismo

 Los futuristas lograron crear un arte nuevo y diferente, negando varias tradiciones en nombre de este nuevo arte. 

Los escritos futuristas tienen un tono agresivo y sarcástico en contra de su antecesora.

Marinetti: El manifiesto futurista – Textos, documental y videos | ::Hipermedula.org

Manifiesto futurista

1. Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad.

2. El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía.

3. La literatura exaltó, hasta hoy, la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo.

4. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia.

5. Queremos ensalzar al hombre que lleva el volante, cuya lanza ideal atraviesa la tierra, lanzada también ella a la carrera, sobre el circuito de su órbita.

6. Es necesario que el poeta se prodigue, con ardor, boato y liberalidad, para aumentar el fervor entusiasta de los elementos primordiales.

7. No existe belleza alguna si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra maestra. La poesía debe ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para forzarlas a postrarse ante el hombre.

8. ¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!… ¿Porqué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente.

9. Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer.

10. Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria.

11. Nosotros cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, cantaremos al vibrante fervor nocturno de las minas y de las canteras, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas, devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; a los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte, y a las locomotoras de pecho amplio, que patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta.


Victoria alada de Samotracia


Mármol Blanco
2.75 cm
Antigua Grecia
descubrimiento 1863
Museo del Louvre

En el punto numero cuatro del manifiesto futurista dicen y cito "Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia" yo creo que no se puede comparar pues cada uno esta diseñado en una época diferente además que hoy en día depende mucho del espectador mas que nada de su conocimiento y gustos.


Los futuristas logran plasmar el movimiento en una segunda dimencion de manera abstracta.

El jinete rojo


Carlo Carrá
1913
Futurismo
26 x 36



Postvanguardismo 


Ritmo de Otoño (Número 30)


Jackson Pollock
1950
266.7 centímetros x 525.8 centímetros
Esmalte y lienzo
Museo Metropolitano de Arte, EU


Fotografía de Dali (Dali Atomicus)

 

Dali Atomicus

Dalí Atomicus: Así hizo Halsman el retrato de Dalí cuando no existía Photoshop (xatakafoto.com)


Philippe Halsman es uno de los fotógrafos de retrato que se ha convertido en leyenda tras fotografiar a muchas de las personalidades más importantes del siglo XX. Y una de las imágenes que mejor revela su talento especial para el retrato es 'Dali Atomicus'.

Obsesionado por capturar la esencia del ser humano en sus fotografías. Así, tras ver en una exposición de Salvador Dalí (con quien ya colaborada estrechamente) su famoso cuadro ‘Leda Atómica’, le preguntó al pintor por qué todo estaba suspendido en el aire y le propuso hacer una versión en foto protagonizada por él para conseguir un retrato muy especial.

¿Cómo se hizo la foto?

Un caballete vacío y otro con una reproducción de Leda Atómica suspendidos gracias a finos hilos, una silla sujetada a mano, tres gatos y un cubo de agua y, cómo no, el protagonista, Salvador Dalí. Éstos son los elementos que aparecen en una composición que, como imaginaréis, no fue fácil de conseguir.

Lo primero fue tratar de acompasar todos los movimientos que debían producirse para que todo flotara: Dalí saltando, unos asistentes arrojando el agua y otros a los gatos, y la mujer de Halsman sujetando la silla de la izquierda de la imagen. Todo debía sincronizarse para lograr lo que se buscaba en una sola y única toma.

Y es que en 1948, cuando se hizo la foto, no existía Photoshop y sólo podían hacer retoques en el procesado de la foto (química por supuesto). Fue en ese momento cuando se borraron los hilos que sujetaban los caballetes, se añadió una imagen al en principio vacío caballete situado junto a Dalí, se eliminó la mano de la mujer de Halsman y se recortó el encuadre para eliminar algunos detalles superfluos.

Pero para eso antes hubo que repetirlo todo nada menos que 28 veces. Tantas que el estudio del fotógrafo en Nueva York acabó lleno de agua y los que participaron en la foto sucios y exhaustos, tal y como cuenta la hija de Halsman. Sólo los gatos salieron indemnes gracias los cuidados de la pequeña, que entre toma y toma se encargaba de llevarlos al baño y secarlos con una toalla.

Dalí Atomicus: Así hizo Halsman el retrato de Dalí cuando no existía Photoshop (xatakafoto.com)


martes, 16 de febrero de 2021

SURREALISMO

Pretende explorar el inconsciente del hombre sin que sea necesariamente racional como por ejemplo los sueño que no son lógicos ni definidos.

The Elephant Celebes


Max Ernst The

 Elephant Celebes

1921

Óleo sobre lienzo

Tate Modern

Tate Modern - Wikipedia

Un mundo apocalíptico donde esta ligada a su propio tiempo en este caso la primera guerra mundial.


Rueda de bicicleta (Marcel Duchamp)



Marcel Duchamp
Rueda de bicicleta
1913,1916-1917,1951
París, Nueva York
Técnica mixta
128.3 centímetros x 63.5 centímetros



La ironía de una rueda que siempre esta en movimiento sobre un banco reposando en generar se visualiza el movimiento tomando un descanso.



El urinario de Duchamp: la polémica pieza que cambió la percepción del arte



Presentado en 1917, este objeto ordinario significó destruir los cánones establecidos, convirtiéndose en la obra más influyente del siglo XX.

Para empezar, debemos entender que el francés Marcel Duchamp fue reconocido como uno de los artistas más importantes del pasado siglo, sobre todo por su carácter, siendo un cuestionador sistemático de todo lo establecido.

El francés, a quien nunca le gustó ser encasillado, podría decirse que su obra tuvo siempre una cuota de sarcasmo y pese a que no publicó muchas obras, estas se adelantaron al arte conceptual, elevando al objeto cotidiano como una categoría de arte, cambiando de raíz la idea de la belleza, según detalla Historia del Arte.

El urinario de Duchamp: la polémica pieza que cambió la percepción del arte - La Tercera


jueves, 11 de febrero de 2021

Expresionismo / Arte Abstracto

 El Expresionismo

Una pintura sin reglas que busca pura y sencillamente el expresar un sentimiento es una pintura libre.

Ernst Ludwig Kirchner - Moonrise, Soldier and Maiden

Moonrise: Soldier and Maiden
Ernst Ludwig Kirchner
69,9 cm x 49,5 cm
1905
Museo de Bellas Artes, Houston (MFAH)


Una pintura llena de pura expresión y sentimiento , en donde yo puedo ver una paleta de colores muy alegre y en donde no es necesaria definir la facciones del cuerpo humano para hacerlo hermosa. 


De los expresionistas se desprenden otras vanguardias como las siguientes;

ARTE ABSTRACTO

Un arte en donde solo se representan figuras, colores, o manchas que quieren expresar algo.


Vassily Kandinsky, 1912 - Improvisación 27, Jardín del Amor II

ARTE ABSTRACTO LIRICO

Wassily Wassilyevich Kandinsky
Improvisación 27 (Jardín del Amor II)
Óleo sobre lienzo
Abstracción
1913
120,3 × 140,3 cm 
Museo Metropolitano de Arte

 



ARTE ABSTRACTO GEOMETRICO

Una pintura que juega con el espacio a medida de líneas y planos.

Necesita ser explicado para poder ser entendido.


Cuadrado blanco sobre fondo blanco



Blanco sobre Blanco
Kasimir Severinovich Malevitch
1918
Óleo sobre lienzo
79,4 × 79,4 cm
Museo de Arte Moderno



ARTE SURREALISTA



Paisaje catalán (El cazador), 1923-24. Joan Miró.
Óleo sobre tela. 64,8 cm x 100,3 cm.
 Nueva York, Estados Unidos.




martes, 9 de febrero de 2021

Siglo XX

 Saltamos de una pintura q trataba de retratar a detalle y lo mejor posible la realidad en cuanto a los cuerpos de supuestas diosas Venus, a una pintura como "El Grito" de Edvard Munch aquí ya no hay geometría y el gran cambio es representar los emociones y sentimiento del hombre en el siglo xx y así se crean temas nuevos.

IMAGEN DE GRITO DE MUNCH

Green Stripe


Retrato de Madame Matisse. (La línea verde)
Henri Matisse
1905
Francia
Aceite y tempera sobre lienzo.

La Franja Verde ( LaRaie Verte), también conocida como Retrato de Madame Matisse. La Línea Verde, es un retrato de Henri Matisse de su esposa, Amélie Noellie Matisse-Parayre. Es una pintura al óleo sobre lienzo, terminada en otoño o invierno de 1905. Se llama así por la banda verde que divide la cara por la mitad, por la cual Matisse trató de producir una sensación de luz, sombra y volumen sin usar sombreado tradicional. El colorismo de Matisse fue impactante en ese momento. Cuando la pintura fue exhibida en París en 1906 tales obras estaban siendo etiquetadas burlonamente como las creaciones de Les Fauves (las bestias salvajes), junto con obras similares de André Derain y Maurice de Vlaminck. 


Matisse un día invita a sus amigo a exponer en su salón su pintura en un día de diversión, rentan una galería colocan sus cuadros y lo inauguran, llega un critico de arte y  lo primero q ve es una escultura de Donatello y luego ve los cuadros como el de Retrato de Madame Matisse. La Línea Verde y piensa q es una pintura irresponsable y sin sentido y al salir dice Donatello entre las fieras.

EL CUBISMO

Les Demoiselles d'Avignon


Les Demoiselles d'Avignon
Pablo Picasso
1907
óleo sobre lienzo
 244 x 234 cm


EL EXPRECIONISMO

Vier Holzplastiken 1912


Cuatro esculturas de madera
Ernst Ludwig Kirchner
Óleo sobre lienzo
Museo de Arte de Dallas
1912





Antoni Gaudí

 

Casa Batlló




Casa Batlló
Antoni Gaudí
Art Nouveau
1904-1906
Barcelona, España



D. Josep Batlló concedió total libertad creativa a Antoni Gaudí, encargándole unas obras que en principio consistían en derribar el edificio. Sin embargo, gracias la audacia de Gaudí, se descartó el derrumbe de la Casa, llevando a cabo una reforma integral entre 1904 y 1906. El arquitecto cambió completamente la fachada, redistribuyendo la tabiquería interior, ampliando el patio de luces y haciendo de su interior una auténtica obra de arte. Además de su valor artístico, la obra reviste una enorme funcionalidad, más propia de nuestro tiempo que del pasado. Incluso hay quien ve en ella elementos precursores de las vanguardias arquitectónicas de finales del s. XX.

La Casa Batlló dejó de pertenecer a la familia Batlló en la década de los 50. Tras acoger diferentes empresas y particulares, desde la década de los 90 el edificio está en manos de los actuales propietarios, la familia Bernat, quien ha restaurado íntegramente la casa.

En 1995 la familia abre la casa a la sociedad y presenta esta joya arquitectónica al mundo, ofreciendo el espacio para eventos. A partir de 2002, coincidiendo con el Año Internacional Gaudí, Casa Batlló acoge también visitas culturales. Ambas actividades se desarrollan en la actualidad innovando constantemente en su oferta y contenidos.

Actualmente, Casa Batlló es Patrimonio Mundial de la UNESCO y un icono de Barcelona, una parada imprescindible para conocer la obra de Gaudí y el modernismo en su máxima expresión. También es uno de los atractivos culturales y turísticos mejor valorados, acogiendo a 1 millón de visitantes al año.

La historia de Casa Batlló | Casa Batlló (casabatllo.es)

Parque Güell


Parque Güell
Antoni Gaudí
España, Cataluña
1900-1914



Las notables dimensiones del conjunto y la gran pendiente aconsejaban plantear diferentes accesos. El principal se situó en la parte baja de la finca, con fachada anexa a la calle de Larrard, una calle urbanizada por donde se llegaba tradicionalmente a la finca del marqués.

En este lugar Gaudí proyectó con su estilo personal los dos magníficos pabellones de la portería y una gran escalinata ajardinada y muy ornamentada, que llevaba al visitante a una gran porticada, la Sala Hipóstila, pensada para instalar un mercado dentro.

Sobre este espacio cubierto se construiría la gran explanada, un auténtico mirador sobre la ciudad delimitado y bordeado en todo su perímetro por el banco de perfil ondulado, hecho con piezas prefabricadas de hormigón revestidas con trencadís cerámico. El mirador disponía de un pequeño anfiteatro para poder disfrutar de las representaciones que se programasen.


Gaudí y Güell | Park Güell (parkguell.barcelona)


Templo Expiatorio de la Sagrada Familia



Basílica de la sagrada familia
Antoni Gaudí
Art Nouveau
Cataluña, España
inicio-1882




conocido simplemente como la Sagrada Familia, es una basílica católica de Barcelona (España), diseñada por el arquitecto Antoni Gaudí. Iniciada en 1882, todavía está en construcción. Es la obra maestra de Gaudí, y el máximo exponente de la arquitectura modernista catalana. Es uno de los monumentos más visitados de España, junto al Museo del Prado y la Alhambra de Granada,​ y es la iglesia más visitada de Europa tras la basílica de San Pedro del Vaticano. Cuando esté finalizada será la iglesia cristiana más alta del mundo.

La Sagrada Familia es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: trabajó en ella durante la mayor parte de su carrera profesional, pero especialmente en los últimos años de su carrera, donde llegó a la culminación de su estilo naturalista, haciendo una síntesis de todas las soluciones y estilos probados hasta aquel entonces. Gaudí logró una perfecta armonía en la interrelación entre los elementos estructurales y los ornamentales, entre plástica y estética, entre función y forma, entre contenido y continente, logrando la integración de todas las artes en un todo estructurado y lógico.


martes, 2 de febrero de 2021

The Crystal Palace

 

The Crystal Palace






Londres, Reino Unido
Joseph Paxton
Arquitectura Victoriana
1851
Estado; Destruido




Crystal Palace,sala de exposiciones gigante de vidrio y hierro en Hyde Park, Londres,que albergó la Gran Exposición de 1851. La estructura fue derribada y reconstruida (1852-54) en Sydenham Hill (ahora en el municipio de Bromley),en cuyo lugar sobrevivió hasta 1936.

En 1849 el Príncipe Alberto,esposo de la Reina Victoria y presidente de la Royal Society of Arts, concibió la idea de invitar a expositores internacionales a participar en una exposición. Se desarrollaron planes y se recaudaron rápidamente los fondos necesarios, con la propia Victoria encabezando la lista de suscriptores. La exposición se inauguró en el Palacio de Cristal el 1 de mayo de 1851.

El Crystal Palace, diseñado por Sir Joseph Paxton,fue una notable construcción de piezas prefabricadas. Consistía en una intrincada red de esbeltas barras de hierro que sostienen paredes de vidrio transparente. El cuerpo principal del edificio era de 1.848 pies (563 metros) de largo y 408 pies (124 metros) de ancho; la altura del crucero central era de 108 pies (33 metros). La construcción ocupó unas 18 hectáreas (7 hectáreas) en el suelo, mientras que su superficie total era de unos 990.000 pies cuadrados (92.000 metros cuadrados, o unas 23 hectáreas [9 hectáreas]). En la planta baja y galerías había más de 8 millas (13 km) de mesas de exhibición.

El Crystal Palace estableció un estándar arquitectónico para ferias y exposiciones internacionales posteriores que también fueron alojados en conservatorios de vidrio, siendo los sucesores inmediatos la Exposición de Cork de 1852, las exposiciones de Dublín y Nueva York de 1853, la Exposición de Múnich de 1854 y la Exposición de París de 1855.

Durante varios años, el Crystal Palace fue el lugar de espectáculos, exposiciones, conciertos, partidos de fútbol (fútbol) y otros entretenimientos. En la noche del 30 de noviembre al 1 de diciembre de 1936, fue prácticamente destruida por el fuego; las torres que sobrevivieron fueron finalmente demolidas en 1941 porque fueron consideradas un hito visible para los bombarderos alemanes entrantes.


Conclusión (TAREA)

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